Jorge Mendoza, un pintor boliviano en los Estados Unidos

A rajatabla

Yuri Aguilar Dávalos

Jorge Mendoza es un artista (pintor, dibujante, grabador…) que radica en Arkansas Estados Unidos). Emigró de Bolivia  y su primer destino fue Brasil, donde radicó varios años.

Su continua formación lo llevó a realizar dos maestrías en la Universidad de Arkansas.

Las circunstancias se hicieron propicias para que él radique en esa ciudad y desde allí propague las vivencias de Bolivia a través de su arte.

En marzo pasado estuvo de paso por su tierra, nuestra tierra, donde después de muchos años, desde fines de los años 70, tuvimos algunas conversaciones que nos permitieron transportarnos a ese pasado, pero también conocer al actual artista de quien presentamos algunos de sus criterios.

• ¿Cómo y cuándo nace tu "pasión" por la pintura o tu vocación?

¿Cuándo? No puedo recordarlo. Ahora no lo sé si puedo decir exactamente si es pasión por pintar o dibujar o grabar. Lo que creo es más una pasión para crear en lugar de ver pasar el tiempo y el espacio, pasivamente, algo así como Cronos vigilando sobre mi vida, entonces necesito saber que estoy vivo y produciendo, trabajando en ¨cositas¨ que se catalogan como arte visual. Digo que así doy testimonio de lo que viví y también de lo que estoy viviendo. Mi vocación creo que es más bien una obsesión para crear.

Figura 1: Paisaje interno X, 1992, acrílico sobre lienzo, 200 x 100 cm. Colección Gilkers.

• ¿Cómo definirías tu estilo, si consideras que es único, o has ido cambiando?

Referente a mi estilo, voy armando piezas de un rompecabezas que nunca acaba…y cuando creo haber llegado a una propuesta nueva y diferente de lo que existe por ahí, entonces exploro esa propuesta de diferentes maneras, divago haciendo dibujos, manchando papeles y lienzos hasta que creo, sentir, divisar y tocar ese Aleph de Borges, ese lado de allá de Cortázar. Ese proceso creativo —que para muchos es un estilo— lo exploro y también lo exploto hasta encontrar algo diferente y luego va transformándose de una u otra manera hasta llegar a una nueva propuesta. Decía que muchos —curadores, galeristas, críticos, coleccionistas, entusiastas y comentadores— llaman estilos y son modas planificadas en alguna reunión de este grupo de aficionados al arte visual que de alguna manera influyen en el mercado del arte. Te doy el ejemplo de Art Basel (Arte de Basilea): Cada año durante el primer fin de semana de diciembre en Miami hay una tremenda agitación en toda la escena del arte debido a que se celebra el Art Basel. Tremendo alboroto de globalización del mercado de arte: este evento lo planifican una docena de personas de grueso calibre social, político y económico para influenciar a todo el ambiente artístico: Estamos ante un proyecto: la globalización neoliberal de la delectación artística, como otras globalizaciones capitalistas. Entonces toda la propaganda turística/artística de Miami Beach durante el mes de diciembre se desenvuelve alrededor de Art Basel… es todo un circo donde participamos todos los artistas que de alguna manera u otra pagan para exponer y exponerse, los galeristas que lucran de todos lados, los críticos que no saben cómo ensalzar este acontecimiento, los turistas que disfrutan del agite artístico y así pasa el Art Basel… es una polución visual, una diarrea galerística, una gran confusión artística ¿Qué gran aporte a la vanidad del mundo fugaz de consumo, verdad? Personalmente digo que hay que distinguir lo negativo de esta clase de avasallamiento eurocentrista en estos días del Siglo XXI y oponer cierta resistencia intelectual, visual y no participar de estos circos fugaces.

• ¿Qué motivos te influyen para decidir ciertas temáticas de las series que pintas?

Los motivos que me influyen a decidir algunas temáticas de series que pinto son variados. Primero, que todo, debo mostrar el efecto de la conexión entre el sujeto del tema y el objeto-artefacto que voy a crear y así transmitir mis sentimientos y mis pensamientos por medio de mis pinturas. Por ejemplo, para una exposición de tesis de grado de maestría en la Universidad de Arkansas en Fayetteville: la primera serie de dibujos y pinturas la bauticé como Paisajes Internos (Inscapes, en inglés) y la segunda serie la bauticé Paisajes de huesos (Bonescapes). Para internalizar un poco este tema, y de acuerdo a la violencias en 1992 hice dos series variadas de Paisajes Internos.

Figura 2 Paisaje de huesos 1, 1992, acrílico en lienzo, 200 x 100 cm, colección del artista.

En ambas series demostré los lados de mi vida y mis circunstancias (como decía Ortega y Gassett). El lado plácido y confortable de mis paisajes internos que llevo en mi memoria —La Paz, Potosí, y otros— mezclados con paisajes de Yellow Stone; así las cosas se presentan por sí solas, sólo hay que saberlas mirar.

Por otro lado coexistía con la violencia del diario vivir, y las tenebrosas imágenes de la invasión del ejército de USA en varios países del mundo, la narcoviolencia, las pandillas juveniles, etc. Todo eso se resume en los paisajes de huesos que armé cortando la cabeza de una vaca con una sierra eléctrica y no fue nada plácido el olor del hueso al ser cortado. Me revolvió el estómago, literalmente. Entonces creo que cumplí con mi objetivo cuando un historiador y crítico del arte me preguntó ¨por qué pintaba esas imágenes tan fuertes…¨ y le recordé que esa pregunta hay que hacerla cuando estás mirando el noticiero en la TV o comiendo cualquier animal destrozado y miras los huesos que dejaste en tu plato de comida.

• ¿Consideras que el arte debe sujetarse a una ideología y ser útil para determinados fines (del Estado) o que debe ser independiente?

Creo que de alguna manera contesté a esta pregunta anteriormente, cuando me referí al Art Basel y la otra clase de dependencia global. Pero estoy seguro de que el artista creador no tiene que estar subordinado a una ideología estatal o de mercadotecnia y debe tratar de ser independiente. Generalmente las tendencias del mercado duran 15 minutos de fama como decía Warhol, entonces poco o nada sobrevivirá de ese arte fugaz y de las bromas conceptuales de mal gusto, como las falacias que se presentan en las famosas bienales: mierda del artista enlatada, seres enjaulados, etc, es eso: sólo mierda de las bienales. Por otro lado, existen los artistas acomodaticios a cualquier régimen de Estado. Esa clase de artistas becados —hay algunos que se cambian su identidad y hasta se apellidan exóticamente— no tienen ninguna creatividad y sólo entretienen al gran circo de moda por migajas de pan y de fama.

• ¿Los Manifiestos de Breton-Rivera-Trotsky sobre un "arte revolucionario independiente" tuvieron o tienen alguna influencia en tu quehacer o ya son declaraciones anacrónicas?

Es cierto que Bretón, Rivera tuvieron influencias sobre el arte revolucionario e independiente, en su debido tiempo. Ahora que estamos en un mundo neo-globalizado, es difícil que el arte pueda ser independiente por todo lo analizado anteriormente. Ahora creo que se trata de revolución mezclada con evolución en todos los sentidos. Tampoco debemos vivir en una nube o en la torre de cristal.

• La frase de Marx citada en el "Manifiesto por un arte independiente" —“El escritor debe naturalmente ganar dinero para poder vivir y escribir, pero en ningún caso debe vivir para ganar dinero. El escritor no considera en manera alguna sus trabajos como un medio. Son fines en sí; son tan escasamente medios en sí para él y para los demás, que en caso necesario sacrifica su propia existencia a la existencia de aquéllos. La primera condición de la libertad de la prensa estriba en que no es un oficio.”— la consideras vital en tu quehacer?

Figura 1) Contador Maior y Tesorero, 2013, técnica mixta sobre papel hecho a mano. 32 x 40 cm. Colección del artista.

Este es el gran dilema teórico, ¿verdad? Vivir para producir o producir para vivir…Creo que todo lo que se genera mediante el trabajo de cada uno debe tener una recompensa. Si un escritor o un periodista trabaja libremente 8 o 10 horas por día, entonces al final de la quincena o del mes recibe su cheque, no es cierto?

• ¿Qué autores, y en qué momentos, han influido en tu obra?

Son varios. Ahora por ejemplo estoy haciendo una revisión de los textos e imágenes de la Nueva Crónica y Buen Gobierno de Guamán Poma de Ayala, centrándome en la descripción y estudio de los quipus, para volver a producir otra serie de mis quipus, puesto que hice la primera serie en 1980 usando el papel que fabricaba con diferentes fibras y hacía grabados, collages, etc.

Figura 2) Mano de quipus, 1988, técnica mixta con sello y collage de cuerdas sobre papel hecho a mano, 38 x 54 cm. Colección del artista.

Cada autor tuvo su influencia en determinados momentos de mi vida: Herman Hesse, Julio Cortázar, Jorge Amado, Gabriel García Márquez; en música Tom Jobim, Joao Gilberto, Santana, King Crimson, etc; en pintura Picasso, y una larga lista que si continuo no termino. Estudié a los maestros en su debido momento y saqué mis conclusiones artísticas que las expreso ahora y siempre.

• ¿Cuál es tu primera obra (o exposición) que presentaste al público, qué temas abordaste y por qué? 

No recuerdo cuándo fue mi primera expo, tampoco de mi primera obra. Me parece que es la misma que va transformándose día a día. Creo que eran dibujos y paisajes en acuarela y óleo. Eso porque eran los años de mi formación y de información visual.

• ¿Cómo y cuándo se te presentó la oportunidad de exponer en el exterior?

La primera oportunidad de exponer en el exterior recuerdo que fue en 1979 cuando gané un premio único de grabado del Departamento de Artes (hoy FAADU) de la UMSA. Con este premio gané un pasaje de avión y la participación en un Taller del Grabado Pan Americano y así un Premio de la IV Bienal del Grabado Latino Americano, en San Juan de Puerto Rico. Así logré conocer artistas y coleccionistas de Arte Latino Americano que gustaron de mi obra y comencé a obtener resultados de venta de mis obras. Luego hice mi primera expo individual en La Liga de Arte y la que considero más importante fue una expo individual en el Museo del Grabado Latino Americano, en 1982 cuando tenía 28 años.

• ¿Ejerces la docencia y por tanto te consideras maestro de nuevas generaciones o…?

Sí, ejerzo la docencia y tal vez me considero formador de nuevas generaciones… eso se verá con el tiempo, no crees?

• ¿Qué obras tuyas consideras que son las que te han deparado mayor satisfacción?

Las obras que clasifico que me depararon mayor satisfacción son varias: el Mural Inconcluso que hice con Solón romero, los grabados, dibujos y pinturas que obtuvieron premios internacionales. Por cierto quiero acotar que por uno de estos premios a mi obra artística obtuve la ciudadanía norteamericana como ¨artista profesional de excepcional habilidad¨, y personalmente estoy feliz de haber alcanzado varios logros tanto en mi vida profesional como personal junto a mi esposa Delires y mis hijos Leo Inti y Gabriel Pablo. Es hermoso encontrar ese balance y considerar que la vida va sin pedirnos nada. Sólo hay que vivirla plenamente.